Scelta del curatore: gli artisti queer neri abbracciano l'arte figurativa alle loro condizioni

Curator's Choice è una serie mensile di curatori ospiti che presenta raccolte di opere d'arte e saggi di voci emergenti e di spicco nel campo delle arti o della cultura più in generale. Le opere presentate sono tutte disponibili su Artsy.

Come possono gli artisti neri, in particolare gli artisti queer e trans neri, creare un lavoro figurativo che metta al centro la loro soggettività? È una questione urgente che va oltre la semplice estetica. Il cambiamento culturale verso l’inclusione delle prospettive nere avvenuto negli ultimi anni troppo spesso sembra una banalità: un impegno illusorio assunto attraverso un linguaggio motivato dalle pubbliche relazioni e idee vaghe piuttosto che un cambiamento materiale sostenibile. Con questa lotta culturale sono arrivate idee vuote su cosa significhi rappresentare la vita nera.

Poiché gli artisti neri troppo spesso continuano a essere visti dal mainstream come una forma di valuta sociale, molti scelgono di rinunciare a questa insidiosa versione di rappresentazione. Allo stesso modo, gli artisti neri, queer e trans sopportano molteplici esperienze intersecanti di questo dannoso processo di appiattimento, quindi, per molti, il ricentramento dell’interiorità è un mezzo per rappresentare la pienezza della vita nera. Per questi artisti, essere visti veramente con specificità, sia dai propri parenti che da se stessi, è un balsamo, che offre un senso di sicurezza e cura. Questa selezione curata di artisti indica i modi in cui le pratiche figurative trasformative possono essere un mezzo per rifiutare la facile leggibilità richiesta dalla cultura più ampia.

Il lavoro dell'artista Jonathan Lyndon Chase, nato e residente a Filadelfia, è diretto sia verso l'interno che verso l'esterno proprio in questo modo. Lavorando nella scultura, nel video, nell'installazione e sulla carta, Chase mette in primo piano e afferma con grazia la soggettività black queer, femme e di genere espansivo. In Cold Dark Abbraccio (2020), una delle numerose opere su tela di mussola dell'artista, due figure si abbracciano sotto un cielo stellato nero. I loro occhi sono chiusi mentre sembrano trovare casa in questo momento di vedere ed essere visti, il tipo di cura e affetto che le persone queer nere così spesso si offrono l'una all'altra. Questo lavoro coinvolge il suo pubblico rappresentando una sorta di riconoscimento reciproco che dipende da un’esperienza vissuta condivisa.

Allo stesso modo, Love Charged Shore Bocca a Bocca (2021) evoca l’intera ampiezza dell’intimità queer. Due marinai si baciano sullo sfondo di una distesa nera e un campo decorato di rosso copre le parti inferiori dei loro corpi. Qui, la sessualità queer nera è centrata ma respinge la visione tradizionale. Invece, l’immagine di questi corpi in relazione tra loro rimane invisibile agli estranei, un appello a una soggettività attiva e queer oltre i limiti del rappresentabile convenzionalmente. Come in Cold Dark Abbraccio, la vita queer nera è raffigurata sulla tela all’interno di un cosmo di oscurità, amorevolmente liberato da rigide tassonomie rappresentative e contesto in uno spazio liberatorio e amorfo.

Gli arazzi con perline fatti a mano dell'artista tessile newyorkese Qualeasha Wood sono autoritratti dell'artista stessa, spesso presentati come un idolo religioso. Creando tessuti a partire da immagini digitali, gli autoritratti riformulati di Wood complicano la gerarchia dello sguardo razzializzata e di genere. Questi lavori criticano anche il modo in cui il lavoro e la produzione culturale delle donne nere sono stati storicamente sfruttati.

Ad esempio, un alone di frecce del cursore in Click (2023) rende l'immagine di Wood un punto focale per lo spettatore. Tuttavia, utilizzando l’iconografia tratta dalla cultura internet millenaria e spostando l’orientamento spaziale convenzionale, l’opera evita la violenza consuntiva dello sguardo storicamente misogino. Continuando questa pratica di rifiuto, Wood è nota per la sua pratica di sovrapporre digitalmente più immagini e parole sotto il piano osservabile del suo lavoro. Gli arazzi finali, visti dal pubblico, rimangono del tutto inconoscibili (e, allo stesso modo, inconsumabili) per tutti tranne che per il loro creatore.

Lavorando a dispetto delle aspettative della fotografia, l'artista di Los Angeles Paul Mpgai Sepuya sovverte similmente l'atto di guardare nei suoi ritratti in studio meticolosamente costruiti. La comunità di Sepuya è spesso il soggetto del suo lavoro altamente intenzionale: amici e amanti sono spesso mostrati, visivamente frammentati o astratti attraverso oggetti di scena, inquadrature e manipolazione del piano fotografico. A Sitting for Matthew (2015) è tipico del processo di Sepuya, poiché interrompe l'accesso dello spettatore alla scena attraverso l'uso di specchi, creando un punto di vista rinegoziato.